肖邦练习曲 op.10 no.1—no.12
肖邦和李斯特对钢琴技术的贡献
简单外行地翻译了这篇论文。观点是作者的一家之言，每个人未必完全同意，但肯定有所启发。Schonberg在写巴赫时，有这样一段文字：In the appreciation of any art, the responder's identification with the mental process of the composer is critical: the closer the identification, the greater the appreciation.
接近理解创作者的心理和内心，非常关键。
正如这篇论文作者指出的，肖邦和李斯特都是重视心理和情感远远超过技术的。作为普通听众，能够真正理解作曲家艺术内涵的必经之路，就是通过同样重视心理和情感的演奏家的连接通道，抵达作曲家的精神彼岸。这也是音乐艺术的魅力所在。
李斯特说自己是半个吉普赛半个神父，这大概是他所有心理的基石。神秘的肖邦呢？他的这段祷告也许揭示他的内心，他说，神啊，为什么要这样杀死我，为什么不能给我个了断……他是一个终生在死亡边缘的希望与绝望中挣扎，求速死而不得，却死得极有尊严的人。他如何做到的呢，courage and then calmness，勇敢和平静。他安慰失去刚刚出生孩子的Solange时写下的话，也是自己的最佳写照。——译者按
肖邦练习曲op.25 no.1—no.12
在浪漫主义时期，钢琴音乐扩展到了令人难以置信的难度和看似不可能的新领域。两位最伟大的钢琴作曲家弗雷德里克·肖邦和李斯特所引入的新发明是对钢琴的彻底革命。
肖邦的练习曲 no10和no.25的新技术，是之前从来没未听说过。李斯特的十二首大练习曲（grand etudes)突出的多条同时演奏的旋律线，迫使表演者的手在钢琴上跳动，奔跑，跨越。这些练习曲在当时被认为无法演奏。
两位作曲家都把钢琴的极限进一步扩展。
然而，新式钢琴家对技术发展进入新纪元的更重要贡献，不仅仅在于增加技巧难度。两位作曲家更重要的发明：音乐性是技巧的必然条件。新的钢琴技术标准，要求不论是最简单还是最困难的段落，演奏者需要简洁和毫不费力地引导出最美的音质，同时演绎出深层次的情感。
肖邦是浪漫主义时期最初的第一位重要发明家。
他的大部分前任如胡梅尔，菲尔德，韦伯（Hummel, Field, andWeber）没有机会使用当时建造的最新式钢琴。法国和英国的生产厂家一直在改进设备，特别是通过大幅延长低音钢线的震动提高了延音踏板功能。肖邦是最早能够充分利用此项发明的作曲家之一。他通过倚重踏板扩展了钢琴技术。一个特别的发明就是某一个低音的进化可以通过踏板延长生命，不会过快萎缩。他利用这点发展了左手的创作。在作品Spianato op. 22, the Berceuse op. 57, 大部分夜曲，奏鸣曲op35 葬礼进行曲的trio中都有体现。低音线持续不断的同时左手在键盘上下移动。旧钢琴时代这类技术很难奏效。
肖邦的作曲还有两个革命性的发明，涉及到一个非常有启发，非常钢琴化的元素。
首先（这个技术已被其他作曲家使用，但离肖邦广度深度相差很远）两手各自演奏两个音符对应三个音符，为了达到完美的和声和谐，要求两手极度独立，例如练习曲 op. 25 no. 2, 新生力量练习曲No. 1 and 3, 幻想即兴曲op. 66, 华尔兹 op. 42。
他的夜曲 op. 32 no. 2 ， op.55 no.2 的结尾部分的五音对三音组合，单手很简单，双手很难。
第二点，正如李斯特描绘的：一小群一小群优雅的音符飘落而下，如同清晨的露珠，降落在旋律的身影之上。这是肖邦取材自美声唱法（Bel Canto）歌手使用的装饰音和花腔（多音对一字的圣歌吟唱）。结果就是炫技性的段落点缀着他的旋律。尽管他的装饰音不同于歌唱的装饰音，相似性是浅而易见的，例如平静的行板op. 22, 协奏曲op. 11 ，21, 即兴曲 op. 29, 36, 夜曲及其他。
肖邦时代关于钢琴演奏有句俗话：归根结底就是好手指。尽管肖邦没有反对这种说法，他对自己钢琴演奏的总结却大不相同。跟他的同时代演奏家相反，他不满足于用腕关节支撑的手指发声。他演奏时，手指由整个手臂带动，所有的技术革新都是基于由肩膀到指尖的完美连续流动，难度在于尽量减少肩膀到手臂到手腕到手指的连接张力。这是技巧的革命化起始。August Kahlert，舒曼的合作者这样描写肖邦的演奏：
他的演奏举止没有任何的沉重感，而是基于手指的相互独立和最轻的触键。
很自然，这些革新反映到他的作品中，使之相对于同行和前任们更丰富更新鲜。1829年创作的第一首练习曲op. 10/1的开始句扩展到了整个键盘，就完美展现了这一点，反映了他的生理性的新发现，为了覆盖键盘上的间距，中枢手指是食指而不是中指，并衍生出以下发明：
右手的灵活延展（练习曲op 10/1 and 10/8）
左手的扩张（练习曲op 10/9; 夜曲op. 27/1 and 2; 前奏曲 op 28/24）
双手同时扩展（练习曲 op. 25/1, 前奏曲 op. 28/19）
音节段落精进为更大音程的交替逐步移动（练习曲op 10/4 and 25/2）
分解和弦扩展至整个键盘（练习曲op. 10/1 and 25/12）
扩展的和弦或同时发力或快速琶音（练习曲10/11, 夜曲op 48/1）
如果说肖邦的技术是浪漫主义最优美的代表之一，他并没有完全覆盖钢琴创作的全部。肖邦之后，李斯特通过探索前人开创的各种可能路径和自己的新发现，把浪漫主义钢琴的技术发挥到极致。
李斯特写到：钢琴的七个八度包含整个管弦乐队，一个人的十根手指创造出的和声媲美一百架乐器的合力。我们使琶音象竖琴，延长的音符象管乐，断奏和上千种原专属于某个乐器的效果。李斯特说到做到，他为钢琴写作如同为乐团写作，多声音，多纹理，不同的音色，对比的音质，他模仿不同乐器不同音域，以图创造十根手指的交响乐团。
李斯特12首超技练习曲
1830年李斯特受帕格尼尼炫技启发，试图以钢琴再现这位小提琴家的形象，他开始每天练习十四个小时，提高自己已经非常高的钢琴技术，其结果就是后来成为全世界技术高手们的新标准：举重若轻和清晰明澈。
学生 Carl Lachmund写道：两首练习曲，象他一直以来一样，弹起来非常轻松和明朗，与那些常听到的技术派不同，没有丝毫的炫耀技巧和极度动态夸张。他对时间的漠视并没有扰乱对称和节奏的平衡，反而带来特有的李斯特式的魅力，在我看来既个性又完美。
这段引言点出了钢琴表演非常重要的一点：举重若轻和清晰明朗。
他对钢琴表演的贡献可以总结如下：在难度最高的段落，钢琴家必须做到身体，特别是肩部，手臂和手的平静，用音乐的举重若轻和表现力取代夸张炫耀。
十九和二十世纪钢琴技术最引人注目的一面是：在钢琴表演和技术发展中不仅仅重视手指，更要强调大脑和身体的关系。不再是找到＂好手指＂，而是更深入地潜入作品深层，连接大脑和音乐表现，在最具技术挑战性的段落，寻求简洁和平静。
钢琴的进化和发展的原动力就在于头脑的力量和想象力。
＂演奏者只有对音乐的听觉形象产生情绪响应，引发身体响应时，他才能最大限度地体会到音乐内在的美，这种最本质的律动，对应作品中的节奏流动。＂
李斯特和肖邦是最早实践这个理念的钢琴家之一，尽管创作了钢琴历史上最具技术难度的某些作品，他们对音乐之美的追寻远远超过对精彩技术的热衷。
体会新式钢琴风格一个最好的办法是和早期练习曲进行比较。肖邦的练习曲被认为是为钢琴创作的最优美的杰作，尽管事实上它们只是练习曲，李斯特的也是如此。他们之前的练习曲已经被大部分的现代钢琴家抛弃。Abby Whiteside，一位有影响力的美国钢琴教师这样评车尔尼和哈农练习曲：车尔尼要为那些数不清的枯燥负责，这也是为什么要丢掉他的练习曲的原因。创造力来自美感而非枯燥。已经到了学习使用优美音乐达到优美演奏目的的时候了。哈农被用来发展每个手指的同等力度，很显然这是不可能的。每个手指都会更有力，但之间仍有不均。手指的专长是传递手臂力量。这是一个不同的也更简单的问题，不需要机械化和无聊的模式。
肖邦和李斯特都非常明了这个概念，他们的练习曲更强调旋律音乐而不是技术，车尔尼的练习曲只关注技巧，使音乐乏味无趣。
区别很明显，新派更强调音乐表达而不是技术完善，尽管肖邦李斯特的练习曲依旧是锻炼演奏者的技巧，却是以音乐性手段来发展，与车尔尼哈农有很大不同。
现代演奏家在这些新发明的基础上不断进化和贡献，新的技术高手已经不再是仅仅演奏艰难的作品，而是演奏时的举重若轻和音乐性。
Joseph Prostakoff 和 Sophis Rosoff，是Abby Whiteside的学生，引用老师的话说：机械平庸的练习只会产生机械平庸的演奏。一个新方法引入了钢琴的学习，音乐性的学习。音乐性应该与技术同时练习，而不是分开为两码事。肖邦自己不是依靠长时间的单纯机械练习获得的技术。他更重视音色的生成，美妙的声音，诗歌般旋律线而不是速度。钢琴家Leimer写道：批判性的自我聆听在我看来是最重要的音乐学习要素。学生被鼓励聆听他们自己用钢琴创造的结果。钢琴家Josef Lhévinne写道：技术永远不是目的，它只是表达作曲家意愿的一种手段。
象当年肖邦和李斯特那样，平静和简洁的演奏是现代音乐学校的传统，老师们尽力减少学生演奏中不必要的紧张。Leimer写道：那些避免所有不必要的晃动，不使用不需要的肌肉，懂得如何放松的人，会最快达到目标。学生在练习时专注于放松，聆听，创造美丽音色，表达音乐的旋律，会发现他们的演奏越来越优雅，愉快，音色之美合乎自己的感受，观众也会听到。
肖邦和李斯特对钢琴技术的贡献可以总结如下：他们把大脑和身体的结合引入钢琴技术，在练习和表演时不再是手指，而是头脑思维心理更加重要。Josef Lhévinne评价道：为什么会有错误的演奏，因为心理不确定性。这个革命性的见解是经过无数的失败和浪费时间得到的，已经成为现代的标准，也是这些钢琴传奇留给后人的最宝贵贡献。
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