与友人闲谈，他问我：“你在话剧舞台上活动30多年，在银幕上拍了几部电影，也拍过电视剧，你认为在表演艺术上，他们之间有什么不同吗？”我一时真的愣住了。原以为只有我个人曾被这样的问题所困惑，或者说只有我在这些问题上苦闷、徘徊过，更多的同志早已不成为问题了。没想到，一个不是搞表演艺术的同志，竟对此问题有如此浓厚的兴趣，想对此问题进行研究探讨。看起来，对这个问题议论一下，不无裨益。
李默然（1927-2012），原名李绍诚，著名表演艺术家，国家一级演员、原中国戏剧家协会主席。
1960年首次涉足影坛，在长春电影制片厂摄制的《甲午风云》中饰演民族英雄邓世昌，一举成名；后参演话剧《八一风暴》、《第二个春天》、《智取威虎山》、《报春花》及电影《花园街五号》等。
1986年，获中国戏剧家协会“话剧表演艺术家”及“话剧终身荣誉奖”。
2007年，获第十七届白玉兰戏剧艺术奖“终身成就奖”
2012年11月8日去世，享年85岁。
表演艺术的宗旨是塑造鲜明的、有性格的艺术形象，即演人不是演戏。在这个根本宗旨上，银幕和舞台都应该是相同的。这样说，大概不会有人提出疑惑。然而，事情并不那么单纯。经常碰到电影、电视导演告诫来自舞台上的演员：“注意啊，可不要把话剧那一套带到创作中来。”有时也听到话剧导演告诫演员：“注意啊，可不要把戏曲表演那一套带到创作中来。”这些告诫都是根据各自不同的表演手段要求演员要“收敛”，不要“夸张”。因此人们习以为常，并无争议。进而要求演员“越生活越好，越自然越好。”这就成为无可非议的对表演艺术的基本要求了。但深入一步想一想，人们就发现，这种告诫并不全面，也不十分科学。我们承认艺术来源于生活，但同时必须承认“艺术不等于就是实际生活。”我们当然不需要矫揉造作和空洞无物，但同时又反对毫无艺术处理，没有艺术美感的“自然形态。”
我认为：没有分寸适当、力度准确的夸张，就谈不上表演艺术。
剧作家、导演要在舞台、银幕、屏幕上完成自己的创作意图，必须依靠演员的表演来实现。（当然，我无意否认其他姐妹艺术在综合艺术中的重要作用。）再好的戏剧、影视作品，演员没有演好，也不是成功的艺术作品。那么，演员创造的人物，能否被观众接受，能否使观众激动，又凭借什么呢？无疑，首先是充实的内在感情的体验和表现。而这种思想感情的体验，又必须来源于生活的日积月累的观察、分析、研究、学习。离开了对生活中各种人物的观察、体验，演员是难以找到人物的深刻内在思想感情的。这样，表演艺术势必成为“无源之水，无本之木。”因此，表演艺术要重视深入生活，向生活学习，这门功夫的锤炼，不亚于作家和其他艺术门类。
然而，表演艺术除了这一点上与其他艺术有共同之处外，还没有它自己的特征？回答是肯定的。表演艺术创作人物形象，既不像作家是通过手中的笔，也不像导演艺术家，要善于有创作性的、和谐地再现作家文学剧本提供的一切本领。演员所呈现自己所扮演的人物，首先是自己的“五尺之躯”。即“从自我出发”，通过想象、联想、创作幻想，走向角色。也就是演员通过自己的“五尺之躯”，从内到外，呈现给观众真实的、生动的、鲜明的另一个艺术形象。经常看到这样的情况；观众随着银幕、屏幕、舞台上演员塑造的人物，一会儿憨笑，一会儿愤慨，一会儿热泪盈眶，一会儿捶胸顿足。这一切，皆因真实的、生动的、鲜明的人物形象感染了他们，这就是表演艺术的魅力。
既要真实、自然，又要生动、鲜明，光靠“越生活、越自然”能否达到预期的效果？还是听听广大观众的评论吧！我经常听到观众看过一部戏，或者看过一场电影后说：“真没劲儿！闹了半天什么也看不清，什么也听不清。”“演的这是什么呀？我都睡了两觉了！”“温汤寡水！”“不疼不痒，这也叫戏？”这种评论，我觉得是对表演艺术最尖锐、最令人痛心的批评。“没劲儿”“温汤寡水”是什么问题？是没有艺术处理和美的加工所致。“听不清、看不清”又是为什么？是功夫不到，缺乏表演艺术技巧、训练和素养所造成的。没有艺术处理和加工，缺乏技巧训练，就达不到艺术的真实，就失掉了美学价值，当然就不会感动观众。这就是我对“越生活越好，越自然越好”的告诫和启示所产生质疑和浅见。因为这种告诫和要求，常常导致演员对技巧训练的忽视，对锻炼自身艺术魅力的轻视。甚至，在一些想当演员的青年中，造成了一种误解：“只要长得好看，就可当演员。”常常接到青年朋友的来信，他们既觉得演员工作很“神秘”，也觉得很“轻松”。就是很少考虑当演员要付出多少汗水，经过多少艰辛，学会多少本领，才能在表演艺术上有所长进。（造就这种错觉，在一段时间里和不少杂志、画刊，过多地介绍了演员少有的空闲时间的生活侧面，过多的刊登各种姿态的头像不无关系）。
我觉得“越生活越好，越自然越好”的告诫和提示，既不能科学的说明银幕、舞台、屏幕对表演艺术的要求，究竟什么是异和同，什么是长与短，同时，也容易引起彼此抵触，彼此排斥。这就失掉了主体，强调了支流。
就表演艺术的本质看，银幕、屏幕、舞台既无本质上区别，不是水火不相容。譬如：“银幕、屏幕上的表演，要禁忌舞台表演的夸张”，这使人容易理解，但有后患。为什么？依我看，银幕、屏幕、舞台谁也离不开有分寸的、适度的夸张。作为表演艺术，都要比实际生活放大，都要比自然形态夸张。否则，就要产生“没劲儿”“温汤寡水”。仅从眼睛的运用为例，无人不承认“眼睛是心灵的窗户”这个论点。而银幕、屏幕上的大特写镜头，常常出现的正是两只眼睛（有时候一只眼睛），而这不正是根据电影、电视的特殊手段所做的艺术夸张吗？试问：生活中到那里去找愤怒的、惊疑的、困惑的等等如此放大的眼睛呢？尽管这种夸张，主要是靠镜头，但演员在这样的特写镜头面前，难道不要以充实的内心感情为依据，在眼神上给予艺术的（技巧的）夸张吗？
“心到、眼到、手到，观众才会感受到。”“喜、怒、哀、乐、离、合、悲、欢皆须出于己衷，则能使看者触目动情，始为现身说法。”这些戏曲表演艺术体验与体现相结合的经验之谈，不但话剧舞台上的演员不能摒弃这一套，即或从事银幕和屏幕的演员，亦值得琢磨、研究、学习。
当然，各类姐妹艺术毕竟有自己的特性，有其各自不同的呈现人物的形式和手段。但仅就表演艺术来讲，充实丰富的内心体验，鲜明有力的外部体现和结合——现实主义的表演方法，则把各种表演艺术引向了“殊途同归”。
如果有一个演员，不锻炼自己表演艺术的基本功，使自己念的台词富有诗意和音乐感：不训练自己的形体动作，使其有美的造型和漂亮的功夫，观众就会什么也感受不到，就引不起共鸣！
斯坦尼斯拉夫斯基和梅耶荷德体系与体现两大流派的“两结合”论者——瓦赫坦戈夫，在创作后期，不但主张夸张，而且主张“高度的夸张”。可见，“艺术夸张”是表演艺术（无论银幕、屏幕、舞台）共同的、不可少的创作手段。据此，我们不能简单地、笼统地告诉演员“不要哪一套”而应具体地、细致地帮助演员去创造鲜明、生动、感人的艺术形象，并要求他们，“不管哪一套”，只要能科学地、有用地运用到自己的艺术创作中去，这就是成功的、可取的。
而从事表演艺术的同志，只有兼容并蓄，博取众家之长，不断创新，不断发展，随着时代发展的要求，遵循艺术规律，就会有我们自己的，民族的表演流派。而停滞不前，墨守成规，只会窒息创作激情，束缚表演艺术技巧的不断提高和发展。有人会说：“表演艺术的夸张，会不会走向形式主义？”不会。因为我们主张的艺术夸张，不是“龇牙咧嘴，大喊大叫”更不是“装腔作势，有声无情”，而恰恰是为了达到既内涵、深沉，又鲜明有力；既纯朴自然，又泾渭分明，让观众看到性格鲜明富有艺术魅力的人物形象。
对演员准确地、科学地告诫和提示，将使表演艺术大放异彩；否则，将使演员的创作黯淡无光。
愿银幕、屏幕、舞台各姐妹艺术，在发展我们民族的表演艺术工作上，在百花齐放的竞赛中，皆有新的、激动人心的、震撼观众的更多鲜明艺术形象出现。
本文选自《李默然文集》（中国戏剧出版社2016年出版）
本期编辑：王松林