交响乐团的乐器布局有什么讲究？

　　现代交响乐团最常见的布局是这个样子的：

　　也就是说，以指挥台的位置为中心，第一、第二小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴从左到右呈扇形依次排开；在弦乐器的后面是木管和铜管乐器，最后排则是打击乐器。

　　但是，千万不要以为管弦乐团声部的位置自诞生之日就是这样，事实上它的发展还不过 100 年。那么，交响乐团原来是什么样的布局，经历了怎样的发展？这样或那样的布局又有哪些讲究？

　　其实自古代起，就已经有所谓的管弦乐队了，但是对今天影响较大的，要追溯到古典主义时期（1750 — 1820年）。

　　▼ 现存 1828 年的布局图

　　说到交响乐和交响乐团，就不得不提到被称为“交响乐之父”的约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）。海顿受雇于匈牙利的埃斯特哈齐家族（Esterházy）长达 30 年，在此期间，他组织了一个规模在 40 人左右的管弦乐团。

　　海顿的交响乐团与现代交响乐团最大的不同点是，第一和第二小提琴对面而坐，分布在乐团的两侧，大提琴位于中间位置。

　　大部分古典主义时期的音乐都采用交互轮唱（Antiphony）的演奏和演唱方式，也就是由两个或多个组交替演唱或演奏。把第一小提琴和第二小提琴放在对立的位置，是为了让两个小提琴组相互交流、应答、互动，形成 18 世纪的“立体声效应”。

　　▼ 第一、二小提琴位置对立，波士顿交响乐团，1881年

　　这样的乐器编排和组合对后世交响乐团的影响长达百年之久。在 18 和 19 世纪，每件乐器的位置都有所变化，但是一提和二提分别位于乐团左右两侧的安排一直延续了下来。

　　在 19 世纪的浪漫主义时期（1820 — 1900年），乐团的规模不断扩大，一些大型交响乐团如莱比锡布商大厦管弦乐团、柏林爱乐乐团、纽约爱乐乐团，仍然采用了这样的安排。甚至柴科夫斯基在 1893 年完成的《第六交响曲“悲怆”》仍然要求这样的座次安排，这一点在最后一个乐章小提琴部分的乐谱上体现的很明显。

　　▼ 1840 年的布局图

　　那么，我们今年看到的交响乐团布局是怎样形成的呢？这就要说到一位英国指挥家利奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）。

　　▼ 斯托科夫斯基

　　▼ 斯托科夫斯基在卡内基音乐厅，1947 年

　　斯托科夫斯基不仅是指挥家，还是一位擅长改编的作曲家。为了找到最佳的声学效果，他做了很多尝试。在指挥费城管弦乐团期间，他曾经将木管和铜管乐器放在弦乐器的前面，引起了不小轰动（由于弦乐声部在整个交响乐团的分量极重，一般被放置在舞台前面，不会随意调整），但是没有延续下来。

　　▼ 木管乐器在弦乐器前面

　　但是在 1920 年代，斯托科夫斯基做出的另一项调整，奠定了现代交响乐团的基本布局。为了让演奏家们更好地听见彼此的声音，他将两组小提琴组合在一起，把弦乐器的高音和低音声部从左到右依次排列，这项改革后来被美国所有的管弦乐团采用。在英国指挥家亨利·伍德（Henry Wood）的倡导下，英国的乐团也开始采用这一方案。

　　▼ 亨利·伍德，1926 年

　　把两个小提琴组安排在一起的方式，使得它们共同演奏同一旋律（第二小提琴通常低八度演奏）的效果更好，因此催生了很多作曲家针对这一布局创作的作品。试想一下，如果用第一小提琴和第二小提琴对立的方式演奏拉赫玛尼诺夫、斯特拉文斯基和科普兰的音乐，就变得毫无意义了。

　　但是，任何的改革都是有代价的——这样的安排使得小提琴之间的互动应答少了很多趣味，而且小提琴的声音不够均衡，偏重于左侧。如果大提琴在最右侧，那么作为交响乐团基础声部的低音弦乐器又显得不够厚重。所以很多指挥家选择将大提琴放在乐团中间位置，取代原来中提琴的位置。

　　▼ 大提琴取代原来中提琴的位置

　　而反过来说，如果将第一小提琴和第二小提琴放在对立的位置，那么在现场演奏的时候，即使在很好的音乐厅，两组小提琴也很难将彼此听得清楚、精准，合奏的效果自然也就大打折扣。这真是两难的选择！无论选择哪一个都要做出妥协。

　　所以，有些乐团不得不选择放大招了——他们有时会在乐曲演奏间歇的时候变换位置，为的就是根据不同作曲家的原意安排乐团乐器的位置，达到最好的演出效果。

　　因此，一直在改变的不仅仅是古典音乐的体裁、风格，还有整个交响乐团的面貌。交响乐团的乐器布局也有很多讲究，一场完美的古典音乐演出包含了无数个这样的细节，任何一个小小的环节都不能放过。

　　对于古典音乐的受众来说，识其一还要知其二，这些小知识能够帮助我们更好地了解和欣赏古典音乐。